Учебное пособие Издательство Томского политехнического университета 2009

2.2. Andrei Rublev (1370-1430)

Born in a period of monastic revival, Rublev grew up in the period of increased public trust and support for the Eastern Orthodox Church. Although little is known about his life, sufficient evidence is available to begin to understand his work and the religious convictions that inspired it. Rublev is best known for his masterpiece “The Old Testament Trinity”. This icon exemplifies the simplicity and the skill of his style, as well as its ability to transcend pictorial constraints with spiritual and religious ideas. Renowned for its lyrical and rhythmic quality, the icon was an instant success and found many imitators. Perhaps Rublev contributed the most to icon painting. The icon “The Annunciation” (14th century) represents the moment when "The angel came in unto (Mary), and said, Hail, thou that art highly favored, the Lord is with thee, blessed art thou among women. And when she saw him, she was troubled at his saying, and cast in her mind what manner of salutation this should be. And the angel said unto her, Fear not, Mary: for thou hast found favor with God. And, behold, thou shalt conceive in thy womb, and bring forth a son, and shalt call his name JESUS." (KJV, Luke 1: 28-31).
In this painting the artist faithfully expresses the emotion and importance of the Annunciation scene. The angel occupies the left half of the picture plane, Mary occupies the right, and both stand out against the background constructed of architectural details connected in the middle of the picture. In contrast to the rather flat, forward–facing figures found in some icons, the announcing angel is shown from a side view which emphasizes depth and dynamic movement. The flow of drapery and the position of the wings reflect the fact that the angel has suddenly appeared and help strengthen the contrast with Mary, who is shown in a fixed and motionless pose. The beautiful gold and blue-green of the angel also emphasizes its heavenly origin and is balanced by the dark clothing worn by Mary, a rep

resentative of earth and humankind.

While the angel's hand is outstretched as the messenger speaks God's message, Mary's head is bowed as if in agreement and humility. Both figures are well-proportioned and accurately express the content of the scene.

The Annunciation

The overall color scheme of the background consists of a combination of yellow, cream, shades of orange, and black, which give the icon a warm tone. The two figures in the foreground stand out against the surrounding colors, but do not clash with them. In fact, Mary's clothing seems to correspond to the dark colors found in the roofs above her and in the angel, helping to unite foreground and background. The angel's coloring emphasizes its heavenly nature. He functions as one who announces the will of God to the world.

The Annunciation theme had been well established in icon painting and could be traced, like many other themes, to the traditional Byzantine prototypes. One of the most admired icons of this type, “The Annunciation of Ustyug” (Novgorod, 1110-30, shown on the right) demonstrates how closely the early Russian icons preserved the Byzantine heritage, while infusing it with a new Russian style. In this Annunciation the composition is more monumental than in its 14th century Muscovite version. The Angel and Mary are strong, uncompromising figures who seem to speak directly to the viewer; here the impact is immediate and forceful. While the figures may lack some of the later icon's movement, they are, nevertheless, equally impressive in their monumentality and spirituality. The angel seems to resemble ancient statues, and its facial features, hair, and the flowing garments make us think of classical antiquity.

The Annunciation of Ustyug


1. Old Testament - Ветхий Завет

2. The Annunciation - Благовещение

3. monastic revival - возрождение монашества, монастырей

Task5. Look at the painting “The Last supper”, find the characters described, read and render the text in English.

Тайная вечеря” — самое зрелое и законченное произведение Леонардо. В этой росписи мастер избегает всего того, что могло бы затемнить основной ход изображенного им действия, он добивается редкой убедительности композиционного решения. В центре он помещает фигуру Христа, выделяя ее просветом двери. Апостолов он сознательно отодвигает от Христа, чтобы еще более акцентировать его место в композиции. Наконец, в этих же целях он заставляет сходиться все перспективные линии в точке, непосредственно расположенной над головой Христа. Учеников Леонардо разбивает на четыре симметрические группы, полные жизни и движения. Стол он делает небольшим, а трапезную — строгой и простой. Это дает ему возможность сосредоточить внимание зрителя на фигурах, обладающих огромной пластической силой. Во всех этих приемах сказывается глубокая целеустремленность творческого замысла, в котором все взвешено и учтено..."

Тайная вечеря: мягкий, обреченный жест учителя. Кротость, с которой произнесены страшные слова о предательстве, – троих из 12, поразили, словно гром среди ясного неба. Невозможность постичь случившееся, неприятие зла отразились на их лицах (слева). Трое других (справа) страстно и безответно вопрошают друг друга: “Который же из нас”? Недоуменно и растерянно, с немым вопросом вскочил Филипп – но ничего более не сказал ему Учитель. Развел руками возмущенный Яков. Фома застыл с поднятою рукою. Негодующий Петр схватился за нож, требуя указать злодея, но взгляд его задержался на безвольно поникшей фигуре Иоанна – последний во всем стремился подражать Учителю, разве что у того кротость – это глубокая мудрость, а у юноши – слабость. И порыв Петра как бы гаснет, хотя виновник рядом – резко отпрянул от Учителя, зажав в руке свои серебренники: никто не обращает на него внимания, а ведь страх уже выдал его с головой, - поза, полная ужаса, выражение лица, заметная оттчужденность от остальных не оставляет сомнений”.

2.3. Vladimir Lukich Borovikovskii: “Portrait of Madame Lopukhina” (1797).

This portrait is one of the most famous Russian paintings of the 18th century. Every aspect of it is carefully controlled and directed to produce a certain effect, to create an atmosphere that is both in accord with, and slightly differing from, the prevailing neoclassical style of the day. This is reflected in the subtle natural background, the classic simplicity of Madame Lopukhina's dress, and the cool sense of decorum, individual calm, and quiet assurance that is transmitted through the combined effect of these and other details. At the same time, Madame Lopukhina's image reflects many characteristics of Borovikovskii's style that depart from standard neoclassical practice. This portrait, for instance, is far less ceremonial than many that were produced at the time. Madame Lopukhina is not decked out in her finest clothing, she is not depicted among rich surroundings, neither is she stiff and artificially posed. Rather, she is dressed unostentatiously and placed in an obscure natural background, which while it conforms to the neoclassical idea of nature's secondary position, contrasts with the formality often associated with neoclassic 'symbolic' portraits. Her pose, too, though it may not be natural, at least seems to be so. The "languid" position of her body, her facial expression, the tilt of her head, all combine to create a sense of individual character. Madame Lopukhina is here at ease, in her natural state of mind and a psychologically revealing pose. Her gaze is familiar, her eyes expectant, her mouth bantering, while her posture indicates a relaxed, confident poise (осанка, посадка головы).

One of the most noticeable elements of Borovikovskii's technique in this painting, which contrasts with common neoclassical practice and some of of his other works, is the soft-focus nature of the portrait. Even more obvious is his delicate use of color to create a harmonious atmosphere in which, again, Madame Lopukhina's presence is a natural occurrence. The cool tones of the background, her dress, and her sash are softly contrasted with the warmer tones of her face and neck. Though aesthetically pleasing on its own, the color scheme has a more important place in this portrait, accentuating her figure through an elegant luminescence that is only heightened by the dimming of the corners. Together these elements may create a slightly 'sentimental' portrait, but one that is nevertheless effective, and testifies to Borovikovskii's skill and importance as an 18th century Russian painter. At the same time, it reflects the "elegance" typical of the best 18th century Russian painting and supports the idea that Borovikovskii "was at heart a realist who never failed . . . to create a likeness"

Портрет Е.А.Нарышкиной (1799)

Портрет Елены Александровны Нарышкиной (1785–1855) – один из лучших женских портретов, написанных Боровиковским в конце XVIII века. Нарышкина – дочь обер-камергера А.Л.Нарышкина. В первом браке она была замужем за сыном генералиссимуса А.В.Суворова графом А.А.Суворовым-Рымникским; овдовев, вышла  вторично замуж за князя В.С.Голицына. Е.А.Нарышкина обладала хорошими музыкальными способностями. Итальянский композитор Дж. Россини написал в ее честь кантату. Она была дружна с поэтами В.А.Жуковским и И.И.Козловым. Художник изобразил еще юную очаровательную девушку, с томной улыбкой взирающую на зрителя. Героиня одета в изысканно-скромное платье, по плечам небрежно рассыпались кудри. В портрете ощущается влияние эстетики позднего классицизма – четкий рисунок, определенность контуров, колорит, тяготеющий к локальным цветам.

2.4. Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852)

When Bryullov was born in 1799, the Neoclassical style in Russia still reigned, but the period of its greatest productivity and popularity was over.

Bryullov Karl: Self-Portrait Bryullov K. Italian Midday 1827

Perhaps this influenced Briullov's early distaste for the return to classicism; at any rate, despite his education at the St.Petersburg Academy of Arts (1809-1821), Bryullov never fully embraced the style taught by the Academy. After distinguishing himself as a promising and imaginative student and finishing his education, he left Russia for Rome. Here he worked until 1835 as a portraitist and genre painter, though his fame as an artist came when he got involved in historical painting. His most famous work, “The Last Day of Pompeii (1830-1833), created a sensation of Italy and established Bryullov as one of the finest painters of his day.

The topic is classical, but his dramatic treatment and generous use of chiaroscuro render it somewhat farther advanced from the neoclassical style. In fact, “The Last Day of Pompeii” exemplifies many of the characteristics of romanticism as it manifests itself in Russian art, including drama, realism tempered with idealism, increased interest in nature, and a zealous fondness for historical subjects. According to Hamilton, Sir Walter Scott is reported to have looked at the painting for an hour and declared afterwards that it "wasn't a painting, but an epic". Although by today's standards we may find the painting somewhat theatrical and lacking in life, it is certainly an important achievement for an artist in the early nineteenth century, and a significant step in the development of historical painting in Russia.

Soon after “The Last Day of Pompeii”, Bryullov returned to Russia , where he was joyously received. While teaching at the Academy (1836-1848) he continued his own artistic efforts, but was unable to produce a work comparable to his "masterpiece." His portrait painting, however, was more successful, at least in retrospect. His portrait style combined a neoclassical simplicity with a romantic tendency that fused well, and his penchant for realism was satisfied with an intriguing level of psychological penetration. A transitional figure between Russian neoclassicism and romanticism, Bryullov may be considered the first Russian artist of international fame

Some other Brulov’s pictures are: “Rider” (1832), “Bahchisaraiskiy Fountain”, “Portrait of Sisters Alexandra and Olga Shishmarevy” (1839), etc.

zealous – рьяный, усердный

Translation Practice.

Карл Павлович Брюллов - русский живописец, профессор Петербургской академии художеств (с1836 г.), почётный член Миланской, Болонской, Флорентийской, Пармской академий. Учился у отца, академика орнаментальной скульптуры, в академии художеств. В 1823-1834 гг. Брюллов жил в Италии, создал ряд жанровых картин ("Итальянское утро", "Итальянский полдень"), в которых решал проблемы осветления, показывал взаимосвязь человека с природой. Черты романтизма имеют автопортрет, портреты Брюллова, Г.Гагарина и одна из лучших работ - "Всадница". Широко известно полотно "Последний день Помпеи" (1830-1833 гг., золотая медаль в Париже). Трагическая гибель людей во время извержения Везувия, поэтика чувств, величие человеческого духа перед слепой стихией иллюстрировали драматическое восприятие художником жизни.

С 1843 г. Брюллов более четырех лет расписывал Исаакиевский собор. Главное достижение этого времени - портреты деятелей русской культуры (Кукольника, Витали, Жуковского, Крылова). В 1849 г. из-за болезни уехал на остров Мадейру, в 1850 г. переехал в Рим, там написал портреты архитектора Ланчи и членов семьи Титони. Творчество Брюллова - одна из вершин русской живописи 30-40-х гг. 19 века. В искусство классицизма он внёс жизненность и непосредственность. Реализм его произведений имел преимущественно романтическую окраску. Последние годы жизни постоянно жил в Италии, с которой Брюллова связывала близкая дружба.

В картине “Всадница” важно не столько повествование, сколько действие. Старшая из сестер резко останавливает разгоряченного коня, но сама остается абсолютно спокойной. Дикая сила, покоряющаяся хрупкой красоте, – один из излюбленных мотивов романтизма. Лицо девушки идеально прекрасно. Итальянский тип внешности считался во времена Брюллова совершенным, и художник с удовольствием его обыгрывает. Изысканные переливы красок, искрящиеся ткани – каждая деталь словно провозглашает великолепие этого полотна.

К. Брюллов. Всадница,1832

Изображены сестры Джованнина и Амацилия Пачини, воспитанницы

графини Ю.П.Самойловой

2.5. Ivan Constantinovich Aivasovsky (1817 - 1900)

The Black Sea has always been an inspiration to artists, and if there was one man who devoted his life to expressing its beauty through his brushes, it was Ivan Aivasovsky. The majority of his paintings were seascapes, distinguished by his skilful use of light to bring the waves alive.

Aivasovsky was born in 1817 in Feodosia - originally the Greek settlement of Theodosia - at the eastern end of the Crimean coast. His father was an Armenian merchant and his mother a skilled embroiderer, but at the time young Ivan was born the port was still recovering from the economic downturn caused by the plague in 1812, and the family were not at all well off. The young boy grew up in a town which was a colourful mix of Greeks, Russians, Armenians, Turks and Tatars, all trying to scratch a living and he probably had to work to help the family out from an early age. He quickly developed an aptitude for music and art, but had no money for paper and instead sketched in charcoal on the white walls of houses.

Eventually his talent came to the attention of the governor of Feodosia, A. I. Kaznacheev, who placed the boy at school in Simferopol and later successfully petitioned the Academy of Arts in St Petersburg for a place for him. Aivasovsky did well at the Academy. On completing his studies he was awarded a travelling scholarship, but with the unusual condition that he should first spend two summers in Crimea perfecting his painting from nature. This he did, and his letters at the time are full of enthusiasm for the inspiration he found in the Crimean landscape. After his two years in Crimea, Aivasovsky toured Europe and fell in love with the southern Italian coast. He produced more than 20 paintings around the Bay of Naples and the Amalfi coast, making the acquaintance of the Russian painter Ivanov, who was living in Rome at the time. Ivanov recognised his talent, commenting that "nobody here paints water like he does..."

By his late twenties Aivasovsky had already made his name as far as painting was concerned. Pope Gregory XVI bought his Chaos (the Creation of the World) for the Vatican museum. The English landscape painter Joseph Turner was so struck by his picture The Bay of Naples on a Moonlit Night that he wrote him a short poem in Italian praising its genius. When he was not yet 30 he returned to Russia to become a professor at the St Petersburg Academy, breaking his journey in Amsterdam to hold an exhibition and to be elected to the Amsterdam Academy too. Aivasovsky did not make his permanent home in St Petersburg, preferring to return to live in Feodosia where he had grown up. Here he set up his studio and founded an art school.

He made a point of only painting from memory, allowing his imagination to influence the image on canvas. Aivasovsky felt strongly that "an artist who only copies from nature becomes her slave...The motion of the living elements is too elusive for the artist's brush: it would be senseless to try to paint a flash of lightning, a gust of wind or the splash of a wave from nature... The painter must remember them... The subject of a painting takes shape in my memory like the subject of a poem takes shape in a poet's: having made a sketch on a scrap of paper I set to work and I only leave the canvas when I'm happy that my brush has expressed what is in my mind."

The gallery in Feodosia. Aivasovsky founded the gallery himself and left it to the town when he died in 1900. It has over 400 of his paintings and sketches, as well as photographs and memorabilia, and paintings by other artists such as Viloshin, Lagorio, Vessler and Bogayevsky. Some of Aivasovsky's canvasses are huge, reaching almost from floor to ceiling of the large exhibition rooms, and their size adds to the sense of the overwhelming power and beauty of the sea that they convey so effectively. Fyodor Dostoevsky, a great admirer of his painting “Storm” said "it has ecstasy, that eternal beauty which so strikes the spectator in a living, real storm".

The concept of light is all important to Aivazovskiy. The perceptive viewer will observe that while painting the waves, clouds or sky space, the artist's emphasis is on the light. In Aivazovskiy's art light is the eternal symbol for life, hope and faith.

The gallery has many of Aivasovsky's best known works, including his great masterpiece “Amid the Waves”, painted when he was 81 years old. By this time he was able to paint waves with a translucent quality which gave them extraordinary life and movement.

“Девятый вал”, 1850.

Девятый вал.

В России - это одно из любимейших произведений отечественной живописи, растиражированное в миллионах (если не миллиардах) экземпляров репродукций. Причем огромная популярность пришла к нему сразу же после его первого показа широкой публике, состоявшегося осенью 1850 года в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Поток людей, желавших тогда взглянуть на "Девятый вал", не иссякал, многие ходили смотреть его по несколько раз, и это чем-то напоминало случившееся шестнадцатью годами раньше паломничество к "Последнему дню Помпеи" Брюллова. Вообще, Брюллова не случайно записывают в прямые учителя Айвазовского, хотя в Академии последний посещал совсем другую мастерскую. Многое роднит этот шедевр с брюлловской "Помпеей" - обе эти картины явили собой высший расцвет романтизма в русском изобразительном искусстве. Вскоре пришли другие времена, когда "страсти роковые" перестали пользоваться популярностью, уступив место "правде жизни". Айвазовскому немало досталось от новейшей критики, но даже ее апологет, В. Стасов, неизменно признавал, что "маринист Айвазовский по рождению и по натуре своей был художник совершенно исключительный". Не однажды предпринимались попытки истолковать "Девятый вал" как политическую аллегорию. При этом вспоминалась и волна революций, в 1848 году пронесшаяся над Европой, и общее "похолодание" российской жизни в конце 1840-х годов, и безвременная смерть Белинского, с большой симпатией относившегося к творчеству Айвазовского, и итальянские события... Впрочем, все было шито белыми нитками, и автор "Девятого вала" к этим построениям, по большому счету, не имеет никакого отношения.
Он не играл в аллегорические игры, а просто был влюблен в стихию, в шторм, в бурю. Морскую бурю он - человек, всю жизнь проживший рядом с морем, - знал не понаслышке. Любопытно одно признание живописца. В 1844 году корабль, на котором он плыл из Англии в Испанию, попал в страшный шторм - после этого в европейской прессе появились сообщения о гибели к тому времени уже прославившегося художника. К счастью, эти сведения оказались ошибочными. Впрочем, поволноваться пассажирам судна действительно пришлось немало. Многие обезумели от страха - но не Айвазовский: в нем, по его собственному признанию, "страх не подавил способности воспринять и сохранить в памяти впечатление, произведенное бурею, как дивною живою картиною". "Девятый вал" представляет собой типичное романтическое противопоставление "Человека" и "Стихии". Последняя страшна своей неразумной силой, но вместе с тем прекрасна.

Черное море”.

За внешним реализмом этого полотна скрывается глубочайшая метафизика. "Море" и "небо" - вот два главных его героя. Сюжет - их противоборство и единство. "Черное море" отличает какой-то неотменимый ритм, отвечающий вечному размеренному дыханию мира и внешне проявляющийся в ритмически сменяющих друг друга волнах. Художник впервые показал картину (на выставке в Академии художеств) под несколько другим - повествовательным! - названием: “На Черном море начинает разыгрываться буря”. Позже он исключил повествователъностъ, сократив название до точного и емкого “Черного моря” и подчеркнув тем самым стремление представить в картине реалистический и вместе с тем предельно обобщенный образ морской стихии. Большим поклонником этого произведения был И. Крамской - он даже включил его в собственную известную картину “Неутешное горе”, поместив за спиной героини и сделав своеобразным “зеркалом” ее душевных переживаний. У Айвазовского, отмечал Крамской, "есть вещи феноменальные - например, “Море”. Это одна из самых грандиозных картин, какие я только знаю".

Айвазовский И.К. “Черное море”, 1881г.

2.6. Vasilii Andreevich Tropinin:The Lace Maker”(1823).

Like Orest Kiprenskii, Vasilii Tropinin was one of the first Russian artists to make the transition from the calm logic and propriety of neoclassicism to the warmth and emotion of romanticism. His portrait entitled “The Lace Maker “shows this transition simply in the choice of subject; instead of portraying a woman of the upper class and nobility, Tropinin chooses to paint a “common” woman engaged in work. As would become popular in romantic painting, an everyday subject was chosen and portrayed in an almost idealized light. However, the lace maker appears too genuine and modest to be considered over-romanticized or over-idealized.

The light coming from the upper right hand corner creates a delicate, soft chiaroscuro resembling the soft rays of sunlight illuminating the lace maker's work. The background is clear and plain, which leads the viewer to focus more fully on the young woman and her tools. Since symbols were an important part of creating and defining character in neoclassical portraits, the work tools gathered around the young woman emphasize her trade and show her in an environment that is unique to her profession. As if interrupted for a moment, she looks directly at the viewer with a smile, continuing to do her delicate work. The careful, yet unconscious positioning of her hands helps to emphasize how familiar she is with her work. By combining pictorial clarity with a feeling of sensibility, Tropinin has infused a "common" subject with dignity and grace.

  1. Учебное пособие Издательство Томского политехнического университета Томск 2010

    Учебное пособие
    В учебном пособии рассматриваются вопросы финансового управления. Представлены основные инструменты и методы финансового менеджмента, анализируются вопросы стратегии и тактики финансового управления, вопросы финансового прогнозирования,
  2. Томского политехнического университета Издательство Томского политехнического университета 2009

    Настоящий документ основывается на Концепции языковой подготовки в Томском политехническом университете; требованиях Федеральных Государственных образовательных стандартов высшего профессионального образования (ФГОС ВПО) по направлениям
  3. Учебное пособие. Часть I. Томск: о-80 Изд-во Томского политехнического университета, 2009. 99 с

    Учебное пособие
    В пособии с позиций цивилизационного методологического подхода изложены основные проблемы российской и мировой истории с древнейших времен до конца XVIII в.
  4. Методические указания к выполнению лабораторных работ по курсам «Моделирование систем» и«Автоматизированные системы управления аэс» для студентов специальностей 220301 и 140404 Издательство Томского политехнического университета

    Методические указания
    Методические указания к выполнению лабораторных работ по курсам «Моделирование систем» и «Автоматизированные системы управления АЭС» для студентов специальностей 220301 и 140404
  5. Учебное пособие подготовлено на кафедре философии Томского политехнического университета и предназначено для магистрантов. Ббк 65. 050. 2я73

    Учебное пособие
    Учебное пособие дает концентрированное изложение основ управления персоналом: теория, история, подходы в кадровом менеджменте; технология и методы управления персоналом; управление продвижением по службе.
  6. Учебное пособие: лабораторный практикум Издательство Томского политехнического университета 2010 удк 628. 1(075. 73) + 626. 8(075. 8)

    Учебное пособие
    Н – 192 Водоснабжение и мелиорация: учебное пособие (лабораторный практикум) /А.Д. Назаров, Р.Ф. Зарубина. – Томск: Изд-во Томского политехнического университета, 2010.
  7. Редакционно-издательским советом Томского политехнического университета Издательство Томского политехнического университета 2010 (3)

    Консалтинг – динамично развивающееся направление деловой активности, к которому прибегают менеджеры всех уровней с целью оптимизации своей деятельности.
  8. Редакционно-издательским советом Томского политехнического университета Издательство Томского политехнического университета 2010 (1)

    Современные международные отношения: учебное пособие / В.Л. Хмылёв; Национальный исследовательский Томский политехнический университет. – Томск: Изд-во Томского политехнического университета, 2010.
  9. Редакционно-издательским советом Томского политехнического университета Издательство Томского политехнического университета 2010 (2)

    Рассмотрены основные проблемы современных международных отношений и внешней политики России – ведущие теории международных отношений, военная и экономическая безопасность, информационные процессы в международных отношениях, международные

Другие похожие документы..